Daniele Ronco
“Credo che un attore non si debba sedere sulle sue certezze, ma debba rimanere sempre pronto a compromettersi, con la consapevolezza che la recitazione non è un’equazione matematica“
Attore, autore e direttore artistico della compagnia “Mulino ad Arte”, Daniele Ronco ha sviluppato un percorso professionale legato a una concezione del teatro come strumento di espressione, partecipazione e impegno civile.
La sostenibilità ambientale e l’attenzione alle trasformazioni sociali sono diventate progressivamente il fulcro della sua ricerca, nella convinzione che il palcoscenico debba confrontarsi con le urgenze del proprio tempo.
Da questa visione nasce “Life is a Flower”, spettacolo ideato da Ronco e scritto a quattro mani con Francesco Bianchi, in scena al teatro Piccolo Eliseo di Roma dal 10 al 15 novembre, con Graziano Piazza e lo stesso Ronco.
Ambientato in un futuro prossimo segnato dalle conseguenze della crisi climatica, il lavoro mette a confronto un anziano architetto e un giovane travel influencer, due generazioni distanti chiamate a misurarsi con un mondo profondamente trasformato dall’emergenza ambientale.
Attraverso i codici del thriller psicologico, del grottesco e dell’eco-fiction, “Life is a Flower” affronta il tema della sostenibilità senza rinunciare all’ironia e all’indagine sulle contraddizioni umane.
Una narrazione distopica che, guardando a un futuro tutt’altro che inverosimile, invita a interrogarsi sulle responsabilità individuali e collettive e sul destino del pianeta che abitiamo.
Nel corso dell’intervista, Ronco analizza questi temi parlando di se stesso e della propria prospettiva su ciò che il suo lavoro racconta.
Daniele Ronco, quando e come è nato il suo incontro con il teatro? C’è stato un momento preciso in cui ha capito che la recitazione sarebbe diventata la sua strada professionale? E quali sono stati gli incontri e le esperienze che hanno segnato maggiormente i suoi primi passi?
“Il mio incontro con il teatro è davvero casuale. Ebbi un primissimo contatto attraverso il classico teatro scolastico. Avrò avuto 13 anni. Ma ero così teso, che al debutto mi venne un febbrone e dovetti rinunciare alla mia prima volta sul palcoscenico. Poi nulla. Passarono gli anni. Vengo da un piccolo paese, ero nel mezzo di un’adolescenza davvero difficile. Ad un certo punto, non so davvero come, provo a fare un corso di recitazione, avevo 19 anni. E lì, la svolta. Dopo diversi anni in cui nulla sembrava appassionarmi, recitare era diventata quasi un’ossessione. Alla prima scuola che frequentai, a Torino, si formò un bel gruppo con iniziare a sperimentare. Ma il momento in cui capii che la recitazione poteva diventatare la mia strada, fu quando la Rai mi prese nel cast di una trasmissione per ragazzi. Parliamo del 2007. Quasi 20 anni fa, incredibile!”
Guardando al suo percorso artistico, quali sono stati i maestri, gli autori o le esperienze teatrali che hanno contribuito a definire il suo modo di intendere il palcoscenico? Quanto è cambiata, nel tempo, la sua idea di teatro?
“Nel mio cammino, un punto di svolta è stato il percorso accademico. Ho frequentato la Scuola d’Arte Drammatica Alessandra Galante Garrone di Bologna, dove mi sono diplomato nel 2011. Posso dire che in quel periodo ho imparato cosa significhi davvero stare sul palcoscenico. Nel corso degli anni, mi ritengo comunque fortunato ad aver sperimentato davvero tanti metodi e strade diverse per arrivare all’attore che sono oggi. Credo che un attore non si debba sedere sulle sue certezze, ma deve rimanere sempre pronto a compromettersi, con la consapevolezza che la recitazione non è un’equazione matematica. Se devo pensare a grandi maestri che mi hanno ispirato, devo andare lontano, negli Stati Uniti. Nel mio percorso frequentai una masterclass di 6 mesi sul metodo americano (Strasberg principalmente) e lì mi sono davvero sentito a mio agio completamente”.
Lei è direttore artistico di Mulino ad Arte, una compagnia che ha fatto della sostenibilità ambientale e del teatro a impatto zero una parte fondamentale della propria identità. Come è nata questa scelta? E quanto ritiene che oggi il teatro abbia il dovere di interrogarsi anche sulla propria responsabilità ambientale e sociale?
“La scelta è nata dalla necessità di unire ciò che sono nella vita e ciò che rappresento sul palcoscenico. Col tempo mi sono sempre di più staccato da una visione puramente narcisistica dell’attore. Vivo il teatro come una forma di attivismo. Il teatro è nato come un atto collettivo, politico e profondamente radicato con il proprio tempo. Oggi il tema ambientale, e più in generale di sostenibilità, credo sia uno dei temi che ci riguardano più da vicino. Quindi credo che il teatro non possa non occuparsi di tutto ciò in maniera onesta e profonda”.
“Per ogni lavoro cerco di utilizzare il linguaggio che più sento assonante con ciò che voglio raccontare.”
Lo spettacolo nasce da una sua idea e da un processo creativo durato circa un anno, durante il quale sono state realizzate due residenze artistiche con interviste a gruppi di giovani e anziani. Quanto del materiale raccolto è confluito nella drammaturgia e quanto, invece, ha contribuito a definire la psicologia dei personaggi?
“Entrare in contatto con due generazioni lontane è stato estremamente nutriente per il processo di costruzione dei personaggi. Il soggetto della drammaturgia era già chiaro nella mia mente, ma ciò che mi mancava era la natura e la psicologia dei soggetti. Le interviste sono state preziose per costruire le personalità di Giò’ e Vez, i due protagonisti della storia”.
Al centro della vicenda troviamo un anziano architetto e un giovane travel influencer, figure che sembrano incarnare due visioni del mondo profondamente distanti. È davvero possibile individuare una responsabilità generazionale nella crisi climatica oppure il rischio è quello di alimentare una contrapposizione troppo semplicistica tra Boomer e Gen Z?
“Credo che non sia utile focalizzarsi solamente sulla responsabilità generazionale. Se ci pensiamo bene, ogni generazione è figlia del suo tempo. Non va dimenticato che la generazione che oggi è anziana, è figlia del boom economico, un tempo in cui non si pensava minimamente e dove si stava andando, ma a cosa si stava ricostruendo, con una grande fame di vita, di rivalsa, di riscatto da un ventennio terribile. L’errore, se vogliamo, è stato non calcolare che si stava prendendo una strada impossibile da sostenere nel tempo”.
Lei interpreta il giovane travel influencer, un personaggio che sembra rappresentare alcune delle contraddizioni della contemporaneità: il desiderio di libertà, il bisogno di viaggiare e di mostrarsi, ma anche la difficoltà di confrontarsi con un futuro sempre più incerto. Come ha costruito questa figura e quanto c’è, nella sua interpretazione, di osservazione della realtà e quanto di invenzione drammaturgica?
“La figura del travel influencer è nata proprio dalla riflessione con i ragazzi che ho intervistato. Con un pizzico di vergogna e pudore, emerse dal dialogo con loro che oggi, tra le professioni più desiderate, anche se molti non lo ammettono, è quella del content creator, chi riesce (apparentemente) a guadagnare divertendosi e mettendosi in mostra. E su questo tra l’altro vedo un’analogia con il mestiere dell’attore. Ho scelto il travel influencer per diverse ragioni, non solo perché è emerso nelle interviste, ma anche perché il travel influencer è una figura che crea un corto circuito con il mondo che abbiamo costruito nella drammaturgia. C’è un altro significato che però non posso rivelare!”
“Vivo il teatro come una forma di attivismo. Il teatro è nato come un atto collettivo, politico e profondamente radicato con il proprio tempo.”
Piogge acide, razionamento dell’acqua, piante mutanti che si riappropriano degli spazi urbani: Life is a Flower immagina un futuro che, per certi versi, non sembra poi così lontano. Perché ha scelto di raccontare la crisi climatica attraverso i codici del thriller psicologico, del grottesco e dell’ecofiction anziché affidarsi a una narrazione più esplicitamente civile o documentaristica?
“Si tratta di una scelta stilistica. Nel mio percorso artistico non ne seguo uno sempre riconoscibile. Per ogni lavoro cerco di utilizzare il linguaggio che più sento assonante con ciò che voglio raccontare. Raccontare un mondo distopico con quel piccolo velo di fantascienza (chissà quanta poi) aiuta ad allontanarci quel tanto dalla nostra realtà quotidiana da permettere di conoscerci e riconoscerci meglio. È ciò che ci accade, se ci pensiamo, a quando guardiamo film come ‘Don’t look up’, o a serie tv come ‘Black mirror'”.
Il cambiamento climatico è ormai un tema centrale del dibattito pubblico, ma spesso la comunicazione ambientale oscilla tra allarmismo e assuefazione, rischiando di non produrre più alcuna reazione. Il teatro può ancora contribuire a modificare la percezione collettiva di questi problemi?
“Il teatro da solo non ce la può fare. Dev’esserci una presa di coscienza collettiva. Il problema è che nel mondo ci sono continui problemi che sembrano oscurare quello climatico. Basta pensare al Covid o ai vari conflitti su scala mondiale. Ma spesso non si riflette sul fatto che sempre di più dietro i grandi problemi del nostro tempo c’è proprio la crisi climatica, la scarsità di risorse e il relativo collasso sociale”.
Dopo questo progetto, quali sono le direzioni verso cui sente di voler orientare la sua ricerca artistica? C’è un tema, una questione o un’urgenza sociale che sente particolarmente vicina e che vorrebbe affrontare nei suoi prossimi lavori?
“Ho pronta la prima stesura di un nuovo testo, che ho scritto sempre a quattro mani con Francesco Bianchi. Stilisticamente non ci allontaniamo molto da ‘Life is a flower’. Il fulcro della ricerca continua sembra essere quella della crisi climatica, ma mettendo una lente di ingrandimento sul senso di maternità in un mondo che sembra finito”.
Gabriele Amoroso
Ringraziamo Daniele Ronco per la disponibilità all’intervista.
